Wer im Video-Spot des neuen Touristen Informations Centers vorkommen möchte ist herzlichst eingeladen am Sonntag den 5.5. in der Herrengasse 16 vorbeizuschauen. Als Belohnung gibt es Graz Goodies!

We are looking for extras!

If you want to be in the video-spot of the new tourist information center, you are welcome to join us for the filming on Sunday, 5.5. at Herrengasse 16. As a reward you’ll get Graz Goodies!

Schauspieler

Wir suchen außerdem auch nach einer Besetzung für einige Rollen die im Bild-Vordergrund vorkommen und einfache Szenen spielen. Theater oder Model-Erfahrung ist nicht notwendig aber hilfreich
Der Zeitaufwand für die Darsteller beträgt jeweils nur ca 2 Stunden am Samstag 4.5. oder Sonntag 5.5 (je nach Rolle)

Die Rollen wären:
Rucksack-Tourist: m oder w, 18-30
Business-Mann/Frau: m oder w, 25-40
Touristengruppe (5-8 Pers): m und w, 40+
Shopping-Freunde (2 Pers): w (und m), 18 – 30

Zur Produktion

Es wird das offizielle Video der neuen Touristen Information in der Herrengasse gedreht. Die Info ist ins Landeszeughaus umgezogen und wurde komplett erneuert. Durch die futuristische Innenarchitektur und das interaktive Lichtkonzept ist die neue Info auch für Grazer durchaus einen Besuch wert.
Das Video soll das Angebot der Information darstellen und wird im Schaufenster zur Herrengasse laufen um Passanten auf die neue Location aufmerksam zu machen.

Für Anmeldung oder Fragen bitte an produktion@henx.at
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HENX Film und Video

Location

Graz Touristen Informationsbüro
Herrengasse 16
8010 Graz

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Zur Produktion

Das gesamte Video wurde in einem Tag im Grazer Lokal Die Scherbe gedreht und besteht zu 100% aus Zeitlupen-Einstellungen. Ein herzliches Dankeschön an die Band, die Lokalbetreiber sowie den vielen Statisten die uns geholfen haben!

Credits

Ben Affleck, früherer Blockbuster Leading Man (Armageddon, Pearl Harbour, Daredevil u.a.) und Gossip Lieferant (seine viel besprochene Liason mit Jennifer Lopez), hat in den letzten Jahren eine bemerkenswerte Verwandlung in einen respektabeln Filmemacher vollzogen. Mit seinen straighten und wuchtigen Thrillern „Gone Baby Gone“ und „The Town“ hat er zwei richtig spannende und wertvolle Filme produziert und mit seinem neusten Streich „Argo“ seinen vorläufigen Höhepunkt erreicht.

Iran 1979: Der islamische Revolutionsführer Ajatollah Ruhollah Chomeini stürzt den regierenden Schah Mohammad Reza Pahlavi. Die Monachie wird von der Herrschaft einer radikalen Geistlichkeit abgelöst, die sich im Besonderen gegen die „gottlose westliche Welt” richtet. Als der abgesetzte Schah in New York seine Krebskrankheit behandeln lässt, stachelt Chomeini die antiamerikanische Stimmung im Iran an. Am 4. November stürmen wütende Studenten die US-Botschaft in Teheran und nehmen mehr als 50 Geiseln. In dem Tumult können jedoch sechs Amerikaner (Clea DuVall, Tate Donovan, Scoot McNairy, Rory Cochrane, Christopher Denham und Kerry Bishé) fliehen und in der kanadischen Vertretung unterschlüpfen, wo der Botschafter Taylor (Victor Garber) sie versteckt. Doch lässt sich ihre Anwesenheit dort nur schwer geheim halten, bei der CIA herrscht Ratlosigkeit über das weitere Vorgehen. Schließlich bringt der Agent Tony Mendez (Ben Affleck) einen scheinbar absurden Plan vor: Er will die sechs Eingeschlossenen als kanadische Mitarbeiter einer Filmproduktion ausgeben, die im Iran nach geeigneten Drehorten für ein Science-Fiction-Projekt namens „Argo” suchen, und so getarnt vor den Augen der Behörden außer Landes bringen. Mendez heuert den Produzenten Lester Siegel (Alan Arkin) und den Make-Up-Spezialisten John Chambers (John Goodman) an, die für die nötige Glaubwürdigkeit selbst in Hollywood sorgen sollen. Der Plan bekommt grünes Licht…

Affleck versucht in Argo die Gratwanderung und setzt auf eine ambitionierte und ernsthafte zeitgeschichtliche Auseinanderungsetzung, zieht jedoch in den richtigen Momenten die Spannungsschraube an und durchsetzt den Film mit dem nötigen Humor, besonders in den „Hollywood Szenen“ mit den gut aufgelegten Alan Arkin und John Goodman.

Als „period piece“ sieht der Film auch fabelhaft aus. Die detailverliebte Ausstattung und Afflecks souveräne Inszenierung gepaart mit Rodrigo Pietros Kameraführung mit absurden Reißschwenks und –zooms auf wunderbar altmodischem, körnigem Film trägt viel zur Authentizität bei. Die rauchenden, anzugtragenden CIA Beamten, die im frustierenden Bürokratiewahnsinn versinken (angeführt vom immer guten Bryan Cranston), die von Angst getriebenen amerikanischen Flüchtlinge, die schmierigen Dampfplauderer in Hollywood, alles fügt sich in „Argo“ schön zusammen. Und mittdendrin im Wahnsinn, gibt dem Zuschauer Ben Affleck selbst Halt, mit seinem subtilen Spiel als „Rückholspezialist“ Tony Mendez.

Doch auch Argo bekommt, ähnlich wie Zero Dark Thirty, Probleme mit der Fiktionalisierung: Im Finale bleibt der Film zwar äußerst unterhaltsam, zeigt aber einen arg reißerischen und konstruierten Showdown, der so sicher nicht stattgefunden hat. Der iranische Regisseur Ataollah Salmanian plant inzwischen schon einen Antwortfilm, der die inhaltlichen Fehler Afflecks Version korrigieren soll.

Trotz enorm hochgehaltener Spannung und gefälligem Storytelling fühlt sich das Werk zeitweise trotz gegenteiliger Bemühungen einseitig an. Allerdings gelingt die Dramatisation um einiges besser als bei Kathryn Bigelows Film. Denn Argo hat überzeugende Charaktere und eine Geschichte, die zumindest großteils unwertend bleibt. Insgesamt bleibt ein hochinterssanter Film, der immer fesselt und ein historisches Ereignis auf ansprechende Weise auf die Leinwand überträgt.

Oscar Chancen:

Argo könnte als erster Film seit crash den preis für den besten Film einheimsen, ohne dass sein Regisseur ausgezeichnet wird (Ben Affleck ist nicht unter den Nominierten). Verdient wäre der Hauptpreis durchaus, trotzdem bleibt die Kategorie offen wie selten in den letzten Jahren. Als großer Favorit gilt Chris Terrio in der Sparte „best adapted screenplay“.

Es gibt äußerst wenige Regisseure die es in Punkto Kultstatus mit Quentin Tarantino aufnehmen können. Man muss heutzutage kein Filmkenner sein, um sich als Tarantino-Fan zu deklarieren. Seine Filme sind schon lange im Bewusstsein der Allgemeinheit angelangt und es ist fast schon ein Trend ihn zu verehren.

Er macht es einem aber auch sehr schwer ihn nicht zu mögen.
Selten schafft es jemand durchgehend Filme mit den gleichen Bestandteilen und dem gleichen, unverwechselbaren Stil zu machen und dabei weder in Originalität noch Qualität nachzulassen. Mit „Django Unchained“ hält Tarantino nicht nur seinen hohen Standard sondern hat seine einzigartige Handschrift sogar verfeinert.

Nach „Inglorious Basterds“, der als Rachefantasie der jüdischen Opfer des zweiten Weltkrieges gesehen werden konnte, wird wieder ein historisches Thema freizügig interpretiert. Diesmal geht es um die Sklaverei im Süden Amerikas, zwei Jahre vor Ausbruch des Bürgerkriegs und den Widerstand des befreiten Sklaven Django. Jamie Foxx spielt den wortkargen Ex-Sklaven überzeugend, wobei ich lieber Michael K. Williams, der auch im Gespräch für die Rolle war, in dieser gesehen hätte. Sein Befreier und Gefährte Dr. King Schultz, ein deutscherstämmiger Zahnarzt und nebenberuflicher Kopfgeldjäger, wird von Christoph Waltz verkörpert. Dieser ist für seine hervorragende Performance als Nebendarsteller nominiert, ist jedoch der eigentliche Hauptdarsteller des Films und stielt, mit Ausnahme von Samuel L. Jackson, allen die Show.

Wie jedes seiner Projekte ist „Django Unchained“ durchwoben von Anspielungen und Referenzen quer durch die Filmgeschichte. Größte Inspirationsquelle war die Ära der Italo- und Spaghettiwestern, insbesondere das Werk von Sergio Corbuccio, der 1966 „Django“ gedreht hat (mit Franco Nero in der Hauptrolle, der auch hier einen selbstironischen Auftritt spendiert bekam). Darin wurde der Wilde Westen in solcher Brutalität gezeigt, dass er in England eine Zeit lang verboten war. Dadurch kam Tarantino auf die Idee die gewalttätige Vergangenheit Amerikas in Form eines Genrefilms aufzuarbeiten. Das gibt ihm zur Abwechslung ein einwandfreies Argument gegen die Kritik über die Gewalt und die rassistischen Ausdrücke – er zeige nur die Wahrheit.

Vor Inglorious Basterds war es schwer vorstellbar, dass der Rockstar der Regisseure, der mit seinen Werken hauptsächlich unterhalten und schockieren wollte, zu so pointierter politischer Kritik fähig ist. Das heißt nicht das „Django Unchained“ nicht unterhaltsam ist; es gibt viele Szenen in denen man laut lachen muss, doch ebenso viele Szenen in denen einem das Lachen im Hals stecken bleibt.

Die Story ist ungewohnt linear und völlig ohne Sub-Plots oder getrennter Episoden. Es dauert, bis der fast zweieinhalbstündige Film an Fahrt gewinnt und die richtig spannenden Momente öfter werden. Am stärksten ist die zweite Hälfte des Films mit Leonardo DiCaprio als Plantagenbesitzer und Samuel L. Jackson als dessen rassistischer Butler. Lange Dialogszenen mit ausgefallenen Charakteren sowie völlig übertriebene Gewaltorgien dürfen natürlich auch nicht fehlen. Es sind die kleinen Dialogzeilen und Situationen die einen realisieren lassen, dass man es hier wirklich mit dem Werk eines einmaligen Filmemachers zu tun hat.
In den Worten von Django: „I am that one in ten thousand.“

Oscar-Chancen

Es ist schwer vorstellbar, dass Tarantino den „Besten Film“-Oscar mit nach Hause nimmt, dafür ist der Stoff zu wenig brav und sein Stil zu rebellisch. Besonders da es mit “Lincoln” einen weiteren Anwärter gibt, der ein ähnliches Thema auf konservativere Art und Weise behandelt. Waltz ist wieder als männlicher Nebendarsteller nominiert, hat denselben Preis aber schon 2010 für „Inglorious Basterds“ bekommen. Vielleicht wird’s ja wieder ein Drehbuch-Oscar – „Pulp Fiction“ ist ja schon einige Zeit her…

Lincoln von Steven Spielberg ist wie “Argo” und “Zero Dark Thirty” eine fiktionalisierte Version wahrer Ereignisse. Liegt das Geschehene bei den anderen zwei Filmen nicht lange zurück, sind es bei Lincoln schon 140 Jahre und der Film deckt eine der bedeutensten Zeitabschnitte der amerikanischen Geschichte ab.

Der Film steigt direkt nach der Wiederwahl Lincolns (Daniel Day-Lewis) 1864 ein. Der Sezessionskrieg ist weit fortgeschritten und hat auf beiden Seiten (die gespalteten Nord- und Südstaaten) schon zahlreiche Opfer gefordert. Der Präsident will noch vor Kriegsende das 13th Amendment, das die Illegalisierung der Skalverei bedeuten würde, durchsetzen. Allerdings stößt der Satz im Repräsentantenhaus (in dem die Abstimmung stattfindet) auf viele Gegner, vor allem bei den im Stimmenplus befindlichen Demokraten, die grundsätzlich gegen die Abschaffung sind. Während einige erst das Kriegsende abwarten wollen, geht der Gesetzestext radikalen Republikanern wie Thaddeus Stevens (Tommy Lee Jones) nicht weit genug. Mit der Unterstützung seines Außenministers William Seward (David Strathairn) beginnt Lincoln hinter den Kulissen die Überzeugungsarbeit.

Spielberg bleibt bei der Einführung schlicht und versucht die Situation ohne viele sperrige Erklärungen zu etablieren. Das gelingt ihm recht solide und so bekommt man auch ohne jedes letzte einzelne Detail eine gute Übesicht über den Stand der krisengebeutelten Nation. Auch der private Hintergrund um Lincolns labile Gattin, die nicht über den Tod ihres im Krieg gefallenen Kindes hinweg kommt, wird beleuchtet. Lincoln selbst gilt heutzutage als Ikone, und Danile Day-Lewis gelingt mit seinem sensationellem Spiel dieser Figur die nötige Erdung zu geben und ihn als nachdenklichen und eloquent philosophierenden Exzentriker im Mittelpunkt der komplexen Geschichte als spannenden Hauptcharakter hinter dem Mythos zu positionieren. Auch die Szenen mit seiner emotional gebrochenen Frau Mary, der Sally Field trotz begrenzter Leinwandzeit ihren Stempel aufdrückt, tragen viel dazu bei, die Menschlichkeit und Integrität Lincolns zu konstituieren.

Tommy Lee Jones hat einige intensive Momente als brennender, progressiver Menschenrechtler vor seiner Zeit. Die Nominierung ist hinisichtlich seiner wenigen Screentime mit Day-Lewis bemerkenswert und vor allem verdient.

Die weitläufigen Entwicklungen mit vielen Abgabelungen bleiben zu jeder Zeit nachvollziehbar, teilweise greift Spielberg auf Texteinblendungen zurück um die vielen Mitwirkenden sinnvoll einzuführen. Ohne allzu große Simplifizierung schafft der Regisseur uns durch die 150 minuten Laufzeit zu führen und gleichzeitig einen spannenden Bogen zu spannen. Manche Szenen und Charakteren sorgen für überraschende Kurzweil und fühlen sich wie ein Comic Relief an, besonders die im Hintergrund agierenden Bestechungskünstler (rund um den unkennbaren James Spader) sorgen für willkommene Abwechslung.

Leider gleiten Spielberg ausgerechnet beim Epilog die Zügel aus der Hand und ein billiger erzählerischer Kniff stört fast das würdevolle Ausklingen des Films, mit Ach und Krach wird sich hier noch drüber gerettet. Bis auf das pathetische Ende ist aber eine interassente Geschichtsstunde gelungen.

Das Werk über den 16. Präsident der Verinigten Staaten von Amerika liefert spannende und durchaus lehrreiche Kino-Unterhaltung mit leider holprigen Abschluss.

Oscar-Chancen:

Eine Auszeichnung als bester Film ist aufgrund der doch konventionellen Geschichte und Erzählweise vermutlich eher unwahrscheinlich. Der Oscar für Daniel Day-Lewis gilt als sicher, der virtuose Mime ist über jeden Zweifel erhaben. Sally Field und Tommy Lee Jones haben zwar starke Mitbewerber (Anne Hathaway oder Robert De Niro), dürfen sich aber trotzdem berechtigte Hoffnungen machen. Auch in den technischen Kategorien sind Auszeichnungen denkbar, die Kameraführung von Großmeister Janusz Kaminski und die wundervolle Filmmusik von John Williams  hätten es sich redlich verdient.

Ang Lee, der mit sich in der jüngeren Filmgeschichte mit Filmen wie Crouching Tiger, Hidden Dragon und Brokeback Mountain verewigte und dabei auch einige Oscars einstecken konnte ist nun mit Life of Pi wieder im Rennen um den goldenen Schwertträger.

Wie der Titel schon verrät geht es in der Adaption des gleichnamigen Buchs von Yann Martel um Piscine “Pi” Patel der einem Autor und damit auch dem Zuschauer seine unglaubliche (Lebens-)Geschichte erzählt. Wie vom Marketing und vom deutschen Filmtitel schon vorweggenommen, spielt ein Großteil des Films auf einem Rettungsboot auf dem der junge Pi nach einem Schiffbruch alleine mit einem wilden, bengalischen Tiger gefangen ist.

Wie es zu dieser kuriosen Situation kommt wird in einer ausführlichen Exposition erklärt in der der humorvolle Grundton des Films zu Geltung kommt und man in die Welt des jugendlichen Inders eingeführt wird. Der sympathische und weltoffene Pi wird von Laiendarsteller Suraj Sharma verkörpert, der den Film mit Leichtigkeit über weite Strecken alleine trägt (mit einem animierten Tiger als einzigem Gegenüber).

Im Grunde wird eine Abenteuergeschichte über das Überleben auf hoher See erzählt doch der wahre Kern der Geschichte geht viel tiefer. Es geht um Glauben und die Suche nach Gott. Das mag zwar billig klingen und ist in unzählichen Werken aus jedem Medium schon zig mal behandelt worden doch selten mit so viel Charme, Offenheit und Witz. Das beginnt schon damit das Pi als Kind allen großen Weltreligionen beitritt da er in jeder etwas positives sieht.
Mit dem Schiffbruch und den darauf folgenden 227 Tagen in denen Pi in Gesellschaft eines ausgewachsenen Tigers führungslos durch unbekannte Gewässer treibt, wird nicht nur sein Glaube getestet, sondern auch der des Zusehers.

Der Film funktioniert auf mehreren Ebenen:
Zum einen als Survival-Story in der der Held zusätzlich zu den Gefahren des Meeres auch noch einem wilden Tiger trotzen muss. Die einzigartige Beziehung zwischen den beiden bildet das Herz der Geschichte. Die Szenen in denen sich der abgemagerte Junge versucht sich mit der prächtigen Raubkatze auf dem begrenzten Platz zu arrangieren sind ein Vergnügen anzusehen. Dies liegt zum Teil auch an den umwerfenden Bildern. Statt für das x-te Raumschiff, Monster oder Fabelwesen wird Computeranimation hier als ästethisches Kunstmittel verwendet. Das ist ein Film für die ganz große Leinwand.

Zum anderen bildet das Ganze eine Metapher über die Natur des Glaubens die jedoch niemals aufdringlich wird. Der grandiose Schlusstwist verdeutlicht die poinierte Moral und lasst dabei noch genügend Spielraum für Interpretation.

Oscar-Chancen

Ang Lee zählt nicht zu den berechenbaren Regisseuren die versuchen ihre größten Erfolge zu kopieren sondern versucht immer wieder orginelles Material zu finden. Mit Life of Pi hat er das Unmögliche geschafft und einen denkbar unverfilmbaren Roman in das Medium Film transportiert ohne dabei die üblichen Fehler zu machen. Völlig zurecht ist das Werk für 11 Oscars nominiert. Den Regieoscar hat Lee schon 2006 für Brokeback Mountaine bekommen doch in allen anderen Kategorien ist ein Gewinn nicht auszuschließen.

Zero Dark Thirty könnte als klassischer „Revenge Flick“ gesehen werden: Er beginnt mit herzzerreißenden Szenen von 9/11 und endet mit der Tötung von Osama Bin Laden, dem Drahtzieher des Attentats.

Alternativ kann man die tragische erste Szene auch als Rechtfertigung für das deuten, was gleich darauf passiert: CIA-Agentin Maya (Jessica Chastain) sieht ihrem Kollegen Dan (Jason Clarke) zu, wie er auf grausamste Art einen Gefangenen foltert der in Zusammenhang mit den Anschlägen steht.

Dass das unbekümmerte Foltern durch die Protagonisten der Geschichte so wertfrei dargestellt wird hat es seit Jack Bauers Exzessen in der Fernsehserie „24“ nicht mehr gegeben. Die Regisseurin Kathryn Bigelow und der Drehbuchautor Mark Boal verwehren sich der heftigen Kritik mit dem Argument, dass sie nur die Wahrheit zeigen und nicht urteilen wollen. Dieses noble Vorhaben, einen authentischen Blick auf die Hintergründe der Jagd auf den Führer des Terrornetzwerks Al Quaida zu werfen, schadet dem Film eher als das es ihm hilft.

Einen Thriller zu drehen der auf Ereignissen aus der sehr nahen Vergangenheit beruht und noch dazu keine Rücksicht auf dramaturgische Strukturen, Spannungsbögen, Höhepunkte und sonstige Elemente aus dem klassischen Kino zu geben, ist ein äußerst mutiges Vorhaben. Doch leider verschenkt Bigelow die Chance, die schwierigen Bedingungen mit starken Charakteren, spannenden Dialogen oder einer interessanten Geschichte wett zu machen. Die Story dreht sich ausschließlich um Maya die zwischen Folterkammer und Büro pendelt und einen ständigen Kamp führt um sich gegen die Männer durchzusetzten die sie von ihrer Mission abhalten: hauptsächlich starrsinnige Vorgesetzte oder unkooperative Gefangene.

Meist handelt es sich um detektivische Büroarbeit unterbrochen von der ein oder anderen wirklich spannenden Szene. Wirklich überraschen kann Boals Buch nie, die meiste Zeit weiß man schon im Vorhinein was passieren wird und fragt sich warum man der fragwürdigen Heldin beim politischen Hürdenlauf zusehen muss. Jessica Chastain spielt die einsame Jägerin zwar hervorragen, bekommt aber von Buch und Regie so gut wie keine Möglichkeiten ihren Charakter dem Publikum wirklich nahe zu bringen. Bigelows Bild einer starken Frau darf anscheinend keinerlei Emotion zeigen und sieht ohne mit der Wimper zu zucken beim Waterbording zu. In einer einzigen Szene versucht Maya sich über ihr Privatleben mitzuteilen, doch wird prompt von einer detonierenden Bombe unterbrochen.

Oscar-Chancen

Trotz des interessanten Stoffs ist Zero Dark Thirty bei weitem weniger explosiv (if you’ll pardon the pun) als The Hurt Locker (die letzte Zusammenarbeit von Bigelow und Boal), der 2010 alleine 6 Oscars abgeräumt hat (darunter bester Film, beste Regie und bestes Drehbuch). Dieser große Wurf wird sich nicht so leicht wiederholen lassen, zumindest nicht als bester Film wo er gegen Argo von Ben Affleck antritt, der die Fiktionalisierung eines historischen Ereignisses weit besser und unterhaltsamer beherrscht als Kathryn Bigelow.

The story takes place in 19^th century France and begins in 1815 with Jean Valjean played by Hugh Jackman,  being released on parole, after serving a 19 year sentence for stealing bread and attempting to escape prison. As an ex convict, Valjean is marked for life as dangerous and is denied of a fresh start in nearly all France until he finds refuge with the Bishop of Digne, who offers him some food and a place to stay.  Soon after, we see Valjean trying to steal silver from the Bishop just to be caught almost immediately by the authorities. The Bishop saves Valjean by telling the police he was giving the silver to him. After such act of kindness Valjean decides to get rid of his document papers and use the silver he got to get his long sought fresh start as an honest man.

Les Misérables spans 17 years and revolves around various characters that are in some way or another related to Jean Valjean. Fantine (Anne Hathaway), the young naive working class girl, who is left in the position to sell literally everything she has to make ends meet and support her little daughter Cosette (Isabelle Allen, Amanda Seyfried). Javert (Russell Crowe), the police officer with a high sense of duty who devotes himself to catch Valjean until he pays for all the crimes he has done. The Thénardiers (Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter) providing some comic relief as the corrupt low-life innkeepers who take care of Cosette for a fee.  And finally, Marius Pontmercy (Eddie Redmayne) and Éponine (Samantha Barks) who form part of an idealistic revolutionary group aiming to change things at the top.

A musical can be hard to watch for some, and truly a recommendation for those who don’t enjoy the singing parts at Disney movies, don’t watch Les Misérables as it consists of 52 musical numbers and the messages are delivered as rhyming couplets at all times. The music by Claude-Michel Schönberg and the lyrics by Herbert Kretzmer –both of them who composed the original 1980’s musical— stay almost intact from the original play.  Classic numbers like “I Dreamed a Dream” sung by Anne Hathaway and” Master of the House” by Sacha Baron Cohen and Helena Bonham Carter cannot be missed as well as the beautifully crafted orchestration of “Can You Hear the People Sing?”.

Tom Hooper has done a remarkable job in adapting a very good musical theatre play into the big screen. The feeling of each scene is externalized very well thanks to the beautiful music, credible acting and very well coordinated musical numbers. The movie never gets stale or too cumbersome to watch. In spite of being 158 minutes long, the story moves in a relatively fast-paced manner and keeps the viewer yearning for more.  Undoubtedly this is not another film adaptation of this story that will go to oblivion, there is still much more to hear about it and we’ll see how and if it gets rewarded by the academy for what it’s worth.

Gastreview von Eduardo Daniel Alvarado

David O. Russel hat ein außergewöhnliches Talent schwierige Themen mit Leichtigkeit umzusetzen und dabei große Geschichten zu erzählen. In seinem neusten Film Silver Linings Playbook vermischt er eine tiefgehendePsychostudie mit einem emotionalem Familiendrama und einer herzerwärmender Romantikkomödie. Die Rechnung geht voll auf:

Pat Solatano (Bradley Cooper) hat 8 Monate in einer Nervenheilanstalt verbracht, weil er in einem Wutanfall den Liebhaber seiner Ehefrau halb zu Tode geprügelt hat. Im darauffolgenden Verfahren wurde bei ihm eine bipolare Störung diagnostiziert. Nach der Rückkehr zu seinen Eltern (Robert DeNiro und Jacki Weaver) versucht er, sein Leben in den Griff zu bekommen und  Anschluss an seine Ehe zu finden. Im weiteren Verlauf trifft er auf die fragile Tiffany (Jennifer Lawrence), die nach dem Tod ihres Mannes ähnlich verloren ist wie Pat.

“Silver Linings” ist der erste Film seit 31 Jahren, der in allen vier Schauspielerkategorien nominiert ist. Das Ensemble rund um Bradley Cooper bringt in den Schlüsselszenen jene emotionale Wucht rüber, die Russels Drehbuchadaption des gleichnamigen Romans von Matthew Quick vorgibt. Cooper zeigt Pat Solatano mit seinen Gefühlsschwankungen als einen Gefangenen, der mit seiner Krankheit ringt und an das Leben vor “dem Vorfall” anknüpfen will. Sein intensives Spiel wurde zurecht mit einer Oscar Nominierung belohnt. Jennifer Lawrence besitzt für ihr zartes Alter (22) eine bemerkenswerte Reife und trifft bei der energischen und labilen Tiffany immer den richtigen Ton. Robert DeNiro und Jacki Weaver als heillos überfordertes Elternpaar geben das authentische Zentrum der White Trash Familie. Besonders DeNiro liefert mehrere denkwürdige Szenen als abergläubischer und fanatischer Eagles Fan ab, auch hier absolut verdient, die erste Oscar Nominierung seit 20 Jahren. Sogar Chris Tucker überzeugt in seinem ersten “Nicht Rush Hour” Auftritt seit 15 Jahren.

Hat Lars von Trier letztes Jahr ein ähnliches Thema in Melancholia noch mit einer gewissen Misanthropie behandelt, lebt dieser Film, gänzlich anders gelagert, von dem sensiblen Umgang und dem Mitgefühl mit den Figuren. David O. Russles Sohn war jahrelang von der gleichen Krankheit betroffen und das ermöglicht ihm, mit einem tiefen Verständnis vorzugehen und die Geschichte zu einer brillanten Studie zu machen. Pats ungefilterte, direkte Art bietet den fruchtbaren Nährboden für einige der ergiebigsten und zugleich witzigsten Dialoge des Films, Russel beweist hier ein außergewöhnliches psychologisches Gespür.

Silver Linings Playbook ist ein wichtiger Film, der ohne viel Aufregung eine kraftvolle Geschichte erzählt. Russel liebt seine schrulligen Charaktere und behandelt jeden Aspekts seines Werkes genau richtig. Von dem gut balancierten Soundtrack, über die zurückhaltende aber präzise Kameraführung, bis zum scharf pointierten Drehbuch stimmt alles. Somit gehört der Film bestimmt zu den lebensbejahendsten und schönsten Erlebnisse des noch jungen Jahres.

Oscar Chancen

Die Chancen für Jennifer Lawrence als beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet zu werden, stehen nicht schlecht, allerdings hat sie mit der Franzosin Emanuelle Riva eine starke Konkurrentin. Für Cooper wird es wohl kein Vorbeikommen an Daniel Day-Lewis geben. In den anderen Kategorien ist das Rennen relativ offen, eine Auszeichnung wäre nirgends unverdient, zählt Silver Linings Playbook doch zumindest zu meinen persönlichen Favoriten.

Anne und Georges leben in ihrer Pariser Wohnung ein glückliches, gutbürgerliches Leben. Der Wohnung, vollgestopft mit Büchern, Schallplatten und CDs sieht man an, dass darin gut gelebt wurde, jahrelang. Annes und Georges’ Leidenschaft ist die Musik, die Klassik. Nur eine Szene des Films spielt sich außerhalb der Wohnung ab, in einem Konzertsaal, bei einem Konzert eines mittlerweile berühmten Klavierschülers von Anne.
Die Bewegungen der beiden sind langsam, bedächtig, ganz wie man es in ihrem Alter erwarten würde. Trotz der offensichtlich langen Zeit, die die beiden miteinander verbracht haben, gehen sie liebevoll miteinander um – den gelegentlichen Flirt am Küchentisch können sie sich nicht verkneifen. Ein glückliches Leben, auch im Alter.

Doch dann trifft sie das unerwartete, Anne setzt eines morgens für ein paar Minuten völlig aus. Ein Schlaganfall, ganz plötzlich. Danach ist sie zwar geistig wieder völlig auf der Höhe, aber halbseitig gelähmt. Der Alltag wird dadurch schwerer, mühsamer – auch für Georges. Doch die beiden kommen zurecht, auch wenn Anne immer unzufriedener mit ihrer Lage wird. Dann, ein zweiter Schlaganfall, der sie ihre Sprache verlieren lässt. Der sie dem langsamen Verfall preisgibt und Georges dabei mitzieht.

Amour ist kein Film, der einen Spannungsbogen benötigt, das Ende wird in der ersten Szene vorweggenommen. Regisseur Michael Haneke zeigt mit perfektionistischer Hand, wie ein kleines Ereignis alles über den Haufen werfen kann. Er tut das ohne großartig zu dramatisieren, jedoch nicht mit jener kühlen Distanz, die ihm bei seinen früheren Werken oft vorgeworfen wurde. Aber ebenfalls ohne sich auch nur in die geringste Gefahr zu begeben, auf die Tränendrüse zu drücken. Alles an diesem Film ist bis zuletzt durchchoreographiert: Man hat das Gefühl, dass nicht einmal das geringste Staubkorn auf einem Buch zufällig da ist, alles wirkt platziert. Etwas, was andere Filme einengen würde, ersticken bis zur völligen Unerträglichkeit, erzeugt in Amour jene Stimmung, die sich erst nach der letzten Szene aber als geradezu voller Horror entpuppt.

Dieser Film hat zwei Seiten, ist eigentlich nicht nur ein Film, sondern zwei: Zum einen, eine harte, aber realistische und authentische Sicht auf das Altern und die Liebe, die irgendwie doch das Positive herauskehrt, auch im Tod. Und zum anderen eine grauenhafte Vision von Zerfall, Siechtum und Liebe, die sich ins Gegenteil verkehrt.
Für beides ist mitnichten aber der Regisseur alleine verantwortlich. Man möchte fast Riva und Trintignant als Hauptverantwortliche dafür bezeichnenen, so außergewöhnlich gut spielen die beiden. Es ist fast ein bisschen unfair, dass hauptsächlich Rivas Leistung mit solchen Lobeshymnen bedacht wird, spielt doch Theaterschauspieler Trintignant, der extra für Haneke noch einmal ein Film-Set betreten hat, mindestens ebenso gut. Sein “Pech” ist, dass seine Rolle zu normal ist, zu authentisch seine Darstellung, um als großartige schauspielerische Leistung gewürdigt zu werden.

Oscarchancen:

Trotzdem ist Rivas Oscarnominierung und ein etwaiger Gewinn der Statutette gerechtfertigt. Gleiches gilt auch für den Film, der ein würdiger Gewinner wäre. Auch Regisseur Haneke wäre der Regie- und Drehbuchpreis zu gönnen. Aber in all diesen Kategorien gibt es Konkurrenten, die ebenfalls berechtige Siegerchancen haben. Wie dem aber auch sein – zumindest ist es Haneke gelungen, einen Film zu produzieren, der wohl einen Status als zukünftiger Klassiker erhalten dürfte.